Richard Sears est un pianiste, compositeur et producteur américain actuellement basé à Paris. Sa musique est influencée par son expérience aux côtés de musiciens de jazz tels que Tootie Heath, Billy Hart, Mark Turner et Muhal Richard Abrahms. Dans une critique de son précédent enregistrement, Disquiet, Le Figaro a déclaré : "sa jeune œuvre est déjà l'acte d'un musicien singulier." À l'été 2023, Richard sortira "Appear to Fade" (Figureight Records, Brooklyn), une collection de courtes compositions et improvisations pour piano solo produites avec des boucles de bande magnétique. Richard a présenté

Hamid Shams est un artiste iranien basé à Paris et diplômé de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Travaillant à travers la performance, le film, la peinture et l’installation, sa pratique explore le rituel, l’idéologie et les politiques du corps, en revisitant des cérémonies iraniennes ancestrales à travers des perspectives contemporaines et queer, tout en abordant les violences de la vie actuelle et les systèmes de pouvoir.

Mahsan Shams (née en 1995 à Téhéran) est une commissaire d’exposition indépendante, écrivaine et traductrice, dotée d’une formation en linguistique et en art contemporain. En tant que chercheuse en philosophie et en psychologie, ses investigations dans ces domaines ont eu une influence profonde sur sa pratique curatoriale, l’incitant à adopter une approche sociologique de l’art. Dans son travail, où la théorie rejoint la pratique, Mahsan crée des expositions qui explorent les liens intimes entre la société, la psychologie et l’individu, transformant ces perspectives en récits d’exposition stimulants. Elle est également la fondatrice de The Lync, une plateforme qui propose des interviews approfondies avec des artistes et des experts du secteur, renforçant ainsi son engagement à favoriser le dialogue au sein de la communauté artistique.

Elene Shatberashvili est une artiste géorgienne installée à Paris, diplômée de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2019. Partageant sa vie entre Paris et Tbilissi, elle développe une peinture figurative expérimentale où se mêlent autoportraits, références à la Géorgie et passages vers l’abstraction géométrique. Son travail, présenté notamment chez Perrotin et au MO.CO. Montpellier Contemporain, explore les notions d’identité, de déplacement et de transformation. Nourrie par une réflexion sur l’imprévisibilité du geste pictural et la nécessité d’échapper aux clichés, son œuvre invite à une expérience sensible du changement et de l’appartenance.

Photographe et vidéaste, Assaf Shoshan (né en 1973 à Jérusalem) interroge un monde dont les limites apparaissent et disparaissent à l’infini. Ses portraits et paysages révèlent une atmosphère énigmatique, nimbée de mystère. Entre la réalité et la fiction, son travail a un impact poétique, il explore une dimension humaine fondamentale : la quête d’identité, le sentiment d’exil et d’appartenance.

Iuliia Skromnaya, née en 1996 en Russie, formée à Institute of Contemporary Art BAZA, Moscou (Russie) / 2021 — 2022, est une artiste pluridisciplinaire. Dans sa pratique, elle travaille souvent à partir de procédés artisanaux et explore les arts visuels et l’artisanat à travers le prisme du folklore contemporain d’internet. Dans ses œuvres, elle aborde des thématiques telles que le quotidien, la culture numérique, la nostalgie et la féminité.

Mathilde Soares-Pereira est une artiste, réalisatrice franco-portugaise.
Elle est diplômée des Beaux-Arts de Paris et du Conservatoire d'art dramatique des Halles.
Mathilde créée des passerelles entre l’art et la vie. À travers son travail, elle détourne des sujets controversés en les rendant drôles et décalés, apportant une légèreté à travers une esthétique pop et onirique. Son travail s’inscrit dans une réflexion sociologique, elle s’interroge sur les rapports hommes-femmes et les dynamiques de pouvoir qui en découlent. Elle joue avec les clichés de genre, dans une volonté de déconstruire les normes de notre société patriarcale.
Elle a été récompensée par plusieurs prix, dont le Prix Thaddaeus Ropac et le Prix Canson. Mathilde a présenté son travail à l’international, de la Galerie du Jour d’Agnès b., au Festival de film Indépendant de New-York, à la Spiral Gallery de Tokyo.

Isadora Soares Belletti (née à Belo Horizonte en 1995) vit et travaille à Paris. Elle a étudié le cinéma et la communication sociale à la FAAP, à São Paulo, avant de s’installer à Paris, où elle a poursuivi ses études aux Beaux-Arts de Paris, obtenant son diplôme (DNSAP) avec les félicitations du jury en 2024. Isadora explore le film, l’installation et le texte, tissant des liens entre intime et politique, notamment autour du déplacement sous ses formes migratoires et émotionnelles. Concevant le film aussi comme un médium sculptural, elle le pense au-delà de l’écran, en dialogue avec l’espace. Cette recherche s’étend à une exploration de la matérialité elle-même des éléments sensibles à la lumière et réactifs au temps qui ne sont pas seulement des outils de projection, mais aussi des porteurs poétiques de mémoire, de perte et de transformation.

Tobias Spichtig (né en 1982 à Lucerne) est un peintre, sculpteur et musicien occasionnel suisse. Il vit et travaille actuellement à Zurich et à Berlin. Ses peintures, sculptures et performances explorent les aspects mystiques du quotidien à travers des récits personnels et fictifs. Le travail de Spichtig oscille entre figuration et abstraction, où l'iconique, la décadence de la subculture et la nature jouent un rôle central. Ses expositions récentes incluent des expositions personnelles à la Kunsthalle Basel, « Everything No one ever wanted », Tao Art Space, Taipei, « It's beautiful when the spirits arrive », le Swiss Institute, New York, « Good OK Great Fantastic Perfect Grand Thank You » et le KW Institute for Contemporary Art, « Die Matratzen », Berlin ; ainsi qu'au Centre d'Art Contemporain – La Synagogue, Delme, « Love and Die », entre autres.

Siméon Starck (né à Strasbourg en 1990) est un designer autodidacte. Formé sur des chantiers internationaux aux côtés d’architectes et d’entreprises du patrimoine vivant, il y développe son goût de la forme, de la matière et du geste. En 2022, il fonde le studio de design elmire. Il dessine et réalise des pièces modulables aux lignes minimales et aux assemblages singuliers. Questionner les matériaux, détourner leurs usages et provoquer l’inattendu, il aime partir de la contrainte pour mieux se jouer des règles.

Après des études d’architecture à Lima, Pier Stockholm obtient un Master en Arts Plastiques à l’Université de São Paulo (USP), où il vit cinq ans avant de s’installer à Paris pour suivre le programme du post-diplôme « La Seine » grâce à une bourse de l’École des Beaux-Arts de Paris (ENSBA). Il a notamment exposé, en solo ou en group show, au Paço das Artes à São Paulo, au Vleeshal à Middleburg, au Casino Luxembourg, à l’Espace Paul Ricard et à La Galerie des Galeries à Paris. Il a bénéficié de plusieurs résidences d’artistes, dont SOART à Carinthia en Autriche, la Cité des Arts à Paris, KNUA à Séoul et NID à Ahmedabad en Inde. Son livre “The Weight of References” a été publié par ONESTAR PRESS en 2014. Il participera en avril prochain à l’exposition collective Vertigo à la Villa Carmignac sur l’île de Porquerolles.

Le studio K réunit 12 artistes autour de pratiques protéiformes engageant le corps. En parallèle de leurs pratiques de plasticien.ne.s, chorégraphes, danseur.euse.s, chanteur.euse.s, artisans, peintres, ces artistes se retrouvent autour de la performance et du spectacle vivant.
Artistes : Crème Soleil (Tilhenn Klapper), Alexandre Fandard, Anne Corté, Compagnie So Far (Cassandre Munoz), Diane Chery, Félix Touzalin, Lucas Bouan, Myriam Jarmache, Saija Alexandra Kangasniemi, Bianca Millan, Nina Traub, Anaïs Barras

Loïs Szymczak est né en 1993 à Paris. Sportif de haut niveau en plongeon acrobatique, il entre aux Beaux-Arts de Paris en 2018 et revêt la double casquette artiste / plongeur. Il participe à la finale des Jeux Olympiques de Paris 2024 dans l’épreuve de plongeon synchronisé à la plateforme de dix mètres. Sa pratique artistique est à la lisière entre l’art et le sport. Ses productions nous parlent de son expérience singulière et questionnent la frontière entre ces deux mondes qu’il cherche à réunir.

Loïs regarde le geste du plongeon avec un œil nouveau et soulève les aspects symboliques, philosophiques ou encore spirituels qui le caractérise. A travers le prisme de sa discipline, il interroge notre rapport à la compétition, questionnant les notions de classement et de notation qui l’ont vu grandir et qui l’ont façonné.

Le vide, la chute et l’eau se retrouvent aussi bien dans les performances du plongeur que dans ses productions plastiques où il cherche à dépasser la fonction sportive, la sublimer, revenir au geste.

Lou-Justin Tailhades est curateur indépendant, critique d’art et poète. Ses recherches portent sur la dimension littéraire de l’art contemporain, de la titrologie des œuvres à la fiction dans l’exposition. Ses travaux prennent la poésie comme point de départ, ce qui l’a mené à s’intéresser plus spécifiquement à la possibilité théorique et pratique d’un commissariat d’exposition poétique. Il a notamment organisé des expositions à l’Institut national d’histoire de l’art, au Centre Wallonie-Bruxelles et à la Monnaie de Paris. Il a collaboré avec la coopérative curatoriale Radicants, a été curateur en résidence à la Villa Dufraine en 2023 et lauréat du prix Perspectives curatoriales de Carré sur Seine en 2024. Il est également membre du collectif Futile.

Curatrice indépendante, Anna Tardivel mène des missions de commissariat d’exposition et d’accompagnement d’artistes. Elle explore les liens entre création contemporaine et enjeux sociétaux, les nouvelles écritures et les pratiques collaboratives. En 2023, elle co-écrit la programmation du Ball Theater, projet représentant la France à la Biennale d’architecture de Venise. Jusqu’en 2025, elle est responsable de programmation à la Gaîté Lyrique. En juin 2026, elle y prépare l’exposition Le chant des mondes dans le cadre du festival Anticipation.

Sacha Teboul est né en 1995 à Paris. Il est diplômé des Beaux-Arts de Paris (2020, Atelier Burki) et de la Fémis, (2023, réalisation). Ses films ont été sélectionnés et primés dans de nombreux festival (IndieLisboa, Busan ou Brive), et son travail plastique présenté dans des expositions personnelles (Galerie du Crous, Bateau-Lavoir) et collectives (FRAC Normandie, Serpentine Gallery). Il développe actuellement son premier long métrage, Parmi les Ruines, lauréat de l’aide à l’écriture du CNC. Il fait partie des artistes sélectionnés pour le prochain Salon de Montrouge.

Maxime Testu (né en 1990 à Rouen) a étudié à l’ENSBA de Lyon, à la HEAD de Genève et à l’ESAD de Reims. D’abord dessinateur, il travaille aussi la sculpture, souvent en métal ou en fonte d’aluminium. Il aime utiliser d’anciennes techniques de gravure comme l’eau-forte qu’il réactualise et s’investit dans un travail de mise en couleur de ses œuvres graphiques.

Venant de la campagne rurale d’Autriche, Philipp Timischl (né en 1989 à Graz) est un artiste basé à Paris. Son travail examine les hiérarchies de classe, de goût et de pouvoir (en particulier au sein du monde de l’art) à travers un mélange d’humour, d’ironie et de conscience de soi. À l’aide de panneaux vidéo LED, de toiles en techniques mixtes, de texte et de matériaux trouvés, il crée des œuvres qui culminent souvent en installations in situ, réfléchissant à la mobilité sociale, à l’exclusion et aux règles non dites qui dictent l’accès à la culture.

Peintre-sculpteur, peintre-photographe, Pablo Tomek est aussi peintre-peintre. C’est ce qu’il nous rappelle en prolongeant sa série de tableaux réalisés à l’éponge, qui empruntent leurs sujets et leurs techniques aux pratiques ouvrières, du blanc de Meudon étalé sur les vitres des chantiers, à la pratique de l’effacement des graffitis dans l’espace public, au karcher. Présentés « au coude à coude, comme une frise », Tomek rappelle son attachement pour ces écritures accidentées. Autant de signes amateurs et anonymes de la rue, dont Brassaï disait : « Graver son nom, son amour, une date, sur le mur d’un édifice, ce « vandalisme » ne s’expliquerait pas par le seul besoin de destruction. J’y vois plutôt l’instinct de survie de tous ceux qui ne peuvent dresser pyramides et cathédrales pour laisser leur nom à la postérité ».

Rebecca Topakian (née en 1989 à Saint-Mandé) est diplômée de l'École de la photographie d'Arles et a suivi une formation en philosophie et en géographie. Elle interroge les notions d'identité dans son travail. En explorant les entre-deux, les mythologies et les fictions de l'identité, elle tente constamment de mettre en lumière le rôle crucial qu'elle joue à notre époque. Pour elle, l'identité s'articule dans la relation entre la poésie, l'intimité et la politique.

Maya Inès Touam (née en 1988 à Paris), artiste franco-algérienne, a toujours étiré son regard et sa curiosité des deux côtés de la Mer Méditerranée. Ses premiers questionnements concernaient l’ambivalence du pouvoir féminin dans le monde arabe, avec pour rigueur de ne pas se soustraire à à un néo-Orientalisme ou un post-colonialisme. De cette période cathartique a résulté un travail actuel plus ancré dans l’universalité et centré sur le carrefour géographique, politique et environnemental africain.

Félix Touzalin est diplômé de l’école Boulle en tournage sur bronze et des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier danse/performance d’Emmanuelle Huynh. Il associe ses savoirs de sculpteur et d'artisan du métal aux pratiques de la danse et du corps pour créer des installations et des performances. Agrégé en Design et Métiers d’art il est également enseignant dans l’atelier métal de l’ENSAAMA.
Sa dernière performance Gallium, présentée à POUSH, se déploie autour d’une dentelle de métal qui interroge la vulnérabilité de la matière et des corps ; vers une puissance délestée de la force et du pouvoir. Il présente prochainement MUDAM (Musée d’art contemporain du Luxembourg) sa dernière création Horse Pill, coécrite avec Tilhenn Klapper au sein de leur compagnie crème soleil. La pièce interroge l’héritage de nos logiques capitalistes de conquête des sols et des corps.
Félix Touzalin a participé à de nombreux projets chorégraphiques comme interprète dans le cadre de ses études ou en dehors avec plusieurs artistes. Son travail individuel et collectif a été montré dans des galeries, musées, salles de spectacle, et festivals.

Nina Traub (née en 1991) est une chorégraphe, danseuse et artiste pluridisciplinaire originaire de Tel Aviv, vivant actuellement à Paris.
Formée dès son plus jeune âge dans divers établissements de danse, Nina Traub est diplômée de l’école de théâtre visuel de Jérusalem. Elle travaille avec différents matériaux, couleurs et textures pour créer l’environnement visuel de ses œuvres. Nina Traub s’intéresse à la recherche du mouvement par le biais de la température, de la musique, des perspectives et du paysage, et examine le corps d’un point de vue sculptural et plastique. Ses travaux scéniques s’accompagnent de dessins, à travers lesquels elle tente de comprendre et d’approfondir ses recherches.

u2p050 est un studio de création immersive à la croisée de la philosophie, de l’art et de la technologie. À travers ses créations numériques, u2p050 tente de construire des expériences de pensée qui ouvrent des voies pour interroger notre monde contemporain, et en particulier sa numérisation croissante. Pour ce faire, u2p050 mobilise dans ses œuvres des technologies expérimentales comme l’IA, la modélisation en 3D, le son hydrophonique ou des logiciels de production vidéo interactive.