Marie-Luce Nadal (née en 1984 en France) est une artiste visuelle et chercheuse transdisciplinaire, écoféministe et queer. Son travail se situe à l’intersection de l’art, de la science et du climat. Nourrie par une réflexion et une volonté de sensibiliser à la justice sociale et climatique, elle crée des sculptures, des performances et des films. Ses oeuvres invitent le public à réfléchir à son rôle et à ses actions sur terre, ainsi qu’à la manière dont ceux-ci modifient et influencent son environnement.

Nano Ville est une société de production et de réalisation audiovisuelle fondée par deux frères, Thomas Causse (producteur) et Elliott Causse (artiste vidéaste). Nano Ville propose une approche expérimentale de la vidéo en mélangeant plusieurs univers et cœurs de métiers, allant du clip aux jeux vidéo, au monde numérique et à l’art urbain. Nano Ville opère en équipe réduite pour réintégrer ses processus de création afin de former des équipes adaptées à chaque projet.

Sarah Nasla est une commissaire d’exposition indépendante. Après une expérience comme cofondatrice du collectif curatorial 1:61, elle forme un duo de commissariat avec Margot Rouas. Ses projets curatoriaux sont à la fois centrés sur la photographie et ouverts à d’autres champs d’expérimentation liés à divers médiums artistiques. Elle envisage sa pratique comme un échange hybride avec les artistes et lieux culturels, avec un attrait particulier pour les publics.

Aapo Nikkanen (né en 1982 à Kirkkonummi, en Finlande) a étudié l’art à l’université des Sciences appliquées de Tampere, à la Haute école d’art et de design de Genève et au Sandberg Instituut à Amsterdam. Les travaux de cet artiste, réalisateur et commissaire d’exposition portent sur la crise écologique, la psychologie et l’intimité. Il est l’un des cofondateurs du collectif multidisciplinaire The Community, basé à Paris, au sein duquel il a travaillé en tant que directeur d’art et d’installation de 2016 à 2020.

Adrien Ogel (né en 1992 à Saint-Maurice, France) poursuit des recherches picturales amorcées à l’école, une peinture figurative évoquant le souvenir de détails architecturaux et paysages urbains qu’il rencontre au
quotidien. Il développe deux séries centrales qui articulent son travail ; des petites peintures à l’huile sur toiles, en regard avec des grands formats sur papier à la gouache et encre de Chine. En 2021, il est lauréat du Grand Prix du jury Horizon avec Service méridional. Il suit actuellement le programme d’accompagnement SHIFT porté par l’agence AMAC.

Raphaël-Bachir Osman (né en 1992 à Creil) est diplômé de la Haute école des arts du Rhin et a également étudié à la Weissensee Kunsthochschule de Berlin. De 2017 à 2020, il a été codirecteur d’Erratum Galerie, un artist-run space situé à Berlin. De la peinture à l’installation, il développe un travail plurimédia qui interroge avec dérision la notion d’originalité, le processus de création, d’exposition et de montage d’une oeuvre. ll joue avec les matériaux et les codes de présentation en associant des éléments autobiographiques et une certaine magie de l’ordinaire.

Née en 1993, Lisa Ouakil vit et travaille à Paris. Elle est diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Arts de Paris-Cergy en 2017. Son travail s’articule principalement autour de la peinture tout en s’attachant également à l’écriture, au film, à la musique et plus récemment à la céramique. Les toiles se développent autour de l’analogie entre le matériau pictural et la chair, des notions de fragmentation du corps et de paysage dans une attention particulière à la couleur.

Stefano Perrone (né en 1985) est un artiste italien qui travaille entre Paris et Milan. Il est diplômé en design industriel du Politecnico di Milano en 2008 et a travaillé comme directeur artistique dans la publicité jusqu'en 2015. Perrone est un peintre autodidacte, dont la pratique n'est pas limitée par le sujet, s'appropriant des images du zeitgeist numérique contemporain et de la vie quotidienne. Sa pratique reflète le processus de "flux de conscience" de la navigation sur le web, marchant sur la ligne entre abstraction et figuration.

Boryana Petkova (née en 1985 à Sofia, Bulgarie) est diplômée des Beaux-Arts de Sofia et de l’École d’Art et de Design de Valenciennes. Son travail se concentre principalement sur le dessin. Elle combine différentes disciplines en explorant leur interaction avec le dessin. L’idée principale de sa démarche artistique et philosophique est d’imaginer et de créer des «liens», voire une symbiose, dans la dissymétrie et la dissemblance.

Pierre Pauze (né en 1990 à Meudon) est diplômé du Fresnoy et de l’Ecole des Beaux-Arts de Paris. Sa pratique évolue autant dans le champ de l’art contemporain, du cinéma que des arts numériques. Il explore des thématiques liées aux mutations provoquées par les nouvelles technologies, notamment sur les nouveaux modes de représentation, de communication et les mythologies qui en découlent. Il collabore régulièrement avec des scientifiques des acteurs aux activités diverses.

Floriane Pilon (née en 1991 à Courcouronnes) est diplômée de l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy. Elle crée principalement des installations dans lesquelles l’espace et le travail de la matière jouent un rôle essentiel. La provenance des matériaux, leur transformation ainsi que leur mise en espace la conduisent à penser la relation de ses oeuvres à l’environnement. Dans un langage épuré, ses installations combinent force et fragilité.

Anthony Plasse, né en 1987, est diplômé de l’École Supérieure d’Art de Clermont Métropole (2013) et de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon (2015). Son travail a été présenté à Turin, International Festival of Art and Design Schools (2015), Reykjavík (entre 2016 et 2017), Porto et New York (2018). Il a plus récemment participé à des expositions collectives en France comme la 69e édition de Jeune Création à la Fondation Fiminco, Romainville (2020), Qui montent de la terre à la galerie Marcelle Alix, Paris (2022), Le Promontoire du songe au FRAC Auvergne, Clermont-Ferrand (2022). Les oeuvres présentées lors de sa première exposition personnelle à la Serre, Saint-Étienne (2020), entrent dans les collections publiques du FRAC Auvergne (2021) et du Musée d’Art Moderne et Contemporain de la ville de Saint-Étienne (2022).

Agathe Pollet (née en 1993 à Paris) est designer d’objet et scénographe. Elle développe une pratique pluridisciplinaire, souvent collaborative, dans les champs des arts décoratifs et de la scénographie. Elle utilise la fiction comme un espace d’exploration, élaborant des récits imaginaires qu’elle met en scène dans des illustrations et des décors fantasmagoriques. De cet univers fictif, émergent des silhouettes organiques et colorées qu’elle matérialise en des objets sculpturaux.

Productrice et commissaire de projets d’art contemporain, spécialiste de la Méditerranée et fondatrice de MARITIMA 01 & MARLANDS soutenu par l'UE et l’ONU, Elena travaille, grâce au soutien de musées d'art et centres culturels de premier plan, à la réalisation de projets artistiques de dimension internationale avec des artistes contemporains, des chercheurs et scientifiques. La pratique professionnelle d’Elena repose en grande partie sur la recherche de nouvelles méthodes du travail et s’appuie sur ses résidences d’art lancées depuis 10 ans.

Robin Poupard se passionne très tôt pour les matériaux naturels, les savoir-faire et la création. Diplômé de l’école Boulle en ébénisterie, il suit ensuite la formation MADE. Récompensées par plusieurs prix, ses créations mêlent différents savoir-faire : ébénisterie, sculpture, maroquinerie… En 2016, il fonde son studio entre Paris et la Normandie où il conçoit et réalise du mobilier en pièce unique ou en séries limitées. Ses créations reposent sur la volonté d’établir un équilibre entre tradition, procédés de
fabrication innovants, fonction et sensibilité de la matière.

Lia Pradal (née en 1992) est diplômée des Beaux-Arts de Paris. Artiste, éditrice et graphiste, elle place le livre d’artiste au coeur de sa pratique. En solo, Lia développe une pratique de l’illustration. Camille Tallent (né en 1987) est historien de l’art de formation et concilie plusieurs activités, notamment la critique journalistique et diverses pratiques éditoriales et plastiques. Ensemble, ils créent le projet éditorial Païen en 2015. Ils collaborent sur différents projets autour de l’image imprimée qu’ils travaillent à travers l’installation, la vidéo ou la sculpture.

Jonathan Pêpe (né en 1987, Toulouse) a été formé au Fresnoy, Studio national des arts contemporains. Ses recherches plastiques en perpétuelle mutation peuvent se matérialiser sous la forme de dessins, de films, d’installations qui peuvent être interactives, évolutives et robotiques. Jonathan Pêpe produit des fictions en détournant des techniques contemporaines comme la «soft-robotique», au travers d’œuvres telles qu’Exo-biote (2015) ou Haruspices (2019), qui mettent en scène des sculptures de silicone en mouvement, qui feignent de respirer. Souvent réalisées en collaboration avec des laboratoires de recherche (INRIA, CNRS) les œuvres de Jonathan Pêpe questionnent sous différents angles les curseurs où, nous les humains, plaçons la frontière entre le vivant et le non-vivant.

Alexander Raczka (né en 1995), est un artiste polonais et italien, établit des liens entre les notions d'autorité, d'architecture, de stratégies de représentation, de communication et d'image dans ses œuvres. Il utilise la peinture, l'installation et la photographie de manière docu-fictionnelle. Son travail se présente sous forme de livres et de multiples.
En 2017, il a notamment exposé à la Galerie Les Filles du Calvaire à Paris lors de l'exposition "Métamorphoses de l'ordinaire". En 2019, Alexander Raczka a participé à l'exposition Printed Matter's New York Art Book Fair 2019 à New York. En 2023, il a fait partie de l'exposition "Concorde" au Community Centre de Pantin. Il fait également partie de l'exposition "La morsure des termites" au Palais de Tokyo à Paris.

Les recherches curatoriales d'Andy Rankin s'orientent à la croisée des pensées effondristes, eschatologiques et spéculatives, tout en s’intéressant particulièrement aux imaginaires liés aux désastres. Qu'il s'agisse d'un tremblement de terre reproduit de manière théâtrale, d'une exposition en poudre rappelant la finitude de toute chose ou d'une exposition mobile planquée pour un monde post-apocalytique, ses projets naissent avant tout d'une envie de se glisser dans des interstices de futurs possibles et d'expérimentation du format de l'exposition.

Le travail de Brieuc Remy, à la croisée de la peinture et du dessin, s’apparente à une fiction au long cours dont les figures représentées seraient les protagonistes. Quelle(s) forme(s) prendront les êtres vivants qui peupleront la terre une fois que l’animal domestique aura mis un terme à la vie humaine ? Ce pourrait être la question apocalyptique à laquelle l’artiste tente de répondre, non sans humour, dans une série entreprise il y a maintenant deux ans. Il s’y intéresse aux rapports que l’homme et les sujets qui composent son environnement naturel entretiennent ensemble.

Issue de formations favorisant l’auto-production et une pratique libre du design par envie, Manon développe un vocabulaire formel singulier où le dessin occupe une place de premier ordre. Par le trait, les formes en volume émergent. Le travail du métal lui permet de manière instinctive de figer un mouvement en insufflant un peu d’elle-même dans la réalisation. Les objets nés de ce processus prennent place dans le quotidien comme autant de créations bavardes. Son affinité pour la couleur et la matière finit de donner vie à ses dessins dans l’espace.

Clara Rivault (née en 1991 à Paris), diplômée des Beaux-Arts de Montpellier et d’un Master à La Cambre, a ensuite intégré Le Laboratoire de Recherche « La Céramique comme Expérience » aux Beaux-Arts de Limoges. La collaboration étroite avec des artisans fait partie intégrante de son travail. Elle explore plusieurs médiums tels que le bronze, le verre soufflé, la porcelaine, à travers une pratique pluridisciplinaire. La notion de « corps » est primordiale dans sa recherche.

Jack Rothert Garcia (né en 1987 à Montréal) est un artiste autodidacte travaillant à Paris. Sa pratique couvre une gamme de médias allant du collage à la peinture en passant par l’impression, les flyers et la photographie. Son travail est une exploration sans filtre de soi, faisant souvent allusion aux thèmes de la solitude, de l'absurdité, de la peur, de la tendresse, de l’autodérision et du commentaire social général. Il y parvient le plus souvent par une combinaison de textes, de couleurs abstraites et d’images pop.

Rotolux est un atelier collectif fondé en 2015 par Léna Araguas, Alaric Garnier, Anaïs Leroy et Dimitri Robert-Rimsky, initialement dans une ancienne imprimerie de Bagnolet. Rotolux s’est depuis transformé en un espace de travail, de recherche et de production, accueillant expositions, projections et performances. Cette entité à géométrie variable s’est donc muée en une nouvelle équipe pluridisciplinaire d’artistes, chercheur·euse·s, graphistes et curatrices.