Diane Chéry (née en 1993 à Suresnes) est une artiste plasticienne, peintre et chorégraphe.
Elle est diplômée de l’école Estienne, des Arts Décoratifs de Strasbourg et des Beaux-Arts de Paris, avec les Félicitations du jury en 2020. Elle se forme dans l’atelier performance d’Emmanuelle Huynh, et auprès de danseurs de la compagnie d’Alwin Nikolais. Un échange à
la School of the Art Institute of Chicago, lui permet de développer la pratique du tissage, et la création de costumes. Son travail ouvre un espace pluriel et propose une expérience visuelle de la couleur en mouvement.

Jérôme Cortie (né en 1992 à Aubervilliers). Ses recherches s’inscrivent dans un continuum où passé, présent et futur se mêlent, où le virtuel et le physique s’hybrident en installations, vidéos ou jeux vidéo. Les questions d’interactivité et d’expériences partagées y tiennent une place centrale afin de donner une véritable agentivité aux spectateur.ices.

Anne Corté fabrique des spectacles comme on prépare des surprises.
Elle commence la performance par des collages sociologiques baroques et sportifs. S’en suivent une partition de passants, une réaction en chaîne verticale d’ouvriers cordistes, un duo avec un dindon vivant, une centaine de versions de poétesse jackass, un bal de fantômes.
Elle performe "Autokèn – autotune tragedy" depuis 2019 et prépare une nouvelle pièce de chimie, dont la création est prévue en 2023.

Julie Coulon est une artiste française née en 1997. Explore par le biais de performances et d’installations monumentales les manières dont le cinéma influence la condition contemporaine. Après des études aux Beaux-Arts de Paris et à la School of Visual Arts de New York, ses installations oscillent entre le documentaire et la fiction. A la fois figurative et conceptuelle, sa pratique est photographique, filmique, performative et curatoriale.

Max Coulon est né en 1994 à Strasbourg et vit à Paris et travaille dans les ateliers de Poush à Aubervilliers. Il est représenté par la Galerie Romero Paprocki en France et par la galerie Nosbaum Reding au Luxembourg et en Belgique. Il est diplômé des Beaux arts de Paris en 2021, après trois années passées dans l’atelier de Stephan Balkenhol, à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Karlsruhe.

Paul Créange (né en 1987) est diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2015. Il a développé une pratique artistique protéiforme mêlant photographie et sculpture, la première étant l’élément essentiel et structurant de ses oeuvres tridimensionnelles. Ses travaux explorent avec finesse les questions d’espace, de lumière et de cadre, tout en se jouant des distinctions entre abstraction et figuration ou intérieur et extérieur. Rigoureusement et poétiquement, il parvient à représenter, avec l’image fixe, le temps et son ineffable multiplicité.

Nicolas Crichton (né en 1989) a étudié aux Gobelins puis aux Beaux-Arts de Paris. Résident POUSH depuis mars 2025, il peint un monde où le quotidien devient étrange. Son travail explore l'entre-deux, aussi bien dans ses sujets que dans sa pratique, passant du dessin griffonné au grand format peint. Il mélange objets réels et inventions personnelles. Ses formes familières sont légèrement déformées, ses rires un peu inquiétants. Crichton révèle ce qui nous dérange dans ce qui nous rassure, explorant la poésie trouble de nos habitudes quotidiennes.

Clara Darrason (n. 1988, Paris) est une commissaire d’exposition franco-américaine et entrepreneure. Depuis 2024, elle a fondé et dirige une entreprise spécialisée dans le commissariat d’exposition, la gestion de studios & de successions d’artistes, ainsi que le conseil. Elle a précédemment fondé et co-dirigé THE CHIMNEY (2015-2020), une galerie à Brooklyn NY où elle développe un programme axé sur des commissions d’installations œuvrant pour une revitalisation d'anciens sites historiques et industriels, travaillant avec plus de 70 artistes dans le cadre de 31 expositions et 3 festivals. Ses expositions ont fait l’objet de critiques dans des publications telles que New York Times, Artforum, The Art Newspaper, New York Magazine, et les artistes qu'elle a soutenus ont exposé leur travail dans des institutions prestigieuses comme le Centre Pompidou, le Palais de Tokyo, le Hammer Museum. Elle a travaillé pendant sept ans (2016-2023) pour la galerie Almine Rech, à New York puis Paris, son dernier poste en tant que global manager des opérations. Clara accompagne à ce jour la succession de l’artiste James Brown, et a récemment organisé des expositions à POUSH, la galerie Selebe Yoon (Dakar, Sénégal), la galerie Jousse Entreprise (Paris).

Petr Davydtchenko est né en 1986 à Arzamas-16, une ville militaire fermée en Russie. Après l’obtention de son Bachelor à Konstfack, en Suède, il s’installe à Londres pour étudier la sculpture au Royal College of Art. Il développe ensuite sa pratique artistique à travers l’Europe. Dans le village post-industriel de Maubourguet, dans le sud-ouest de la France, il a vécu exclusivement de carcasses d’animaux trouvées sur la route pendant trois ans. Son travail explore les systèmes de pouvoir, de survie et de valeur à travers des projets au long cours qui engagent fréquemment le corps comme matériau.

Marlon de Azambuja (né en 1978 à Porto Alegre, Brésil) est un artiste multidisciplinaire. Son travail se concentre souvent sur des questions liées à la ville, l’architecture et la perception de nos environnements - qu’ils soient physiques, politiques, culturels - par notre corps.

Artiste, peintre sentimentaliste et céramiste animalier, fondateur de l’agence de mannequin Mannequin Madelaine, l’œuvre de Cyril Debon (né en 1987 à Bruges) est un exercice d’éclectisme, en quête des meilleures manières d’évoquer des émotions universelles comme l’amour, ou la mélancolie. Il élabore sa propre imagerie d’Épinal où se réconcilient l’histoire de l'art, les livres pour enfants et les archétypes de série B. Sa production traverse le registre des genres artistiques comme un pion sur un plateau de jeu de l’oie.

Anna de Castro Barbosa (née en 1995, Montpellier) est diplômée de la Sorbonne (2018), des Beaux-Arts de Nantes (2021) puis des Beaux-Arts de Paris en 2024. La même année, elle est lauréate de la bourse Bredin-Prat, de la bourse Diptyque et elle expose à l'occasion de Crush et du Prix Dauphine. Chez elle, il est question de raconter, rechercher, provoquer des relations par le biais de l’inquiétude, de l’étrangeté, impliquant des rapports de séduction, d’attraction et de répulsion, faisant de sculptures, de montages, de systèmes, des espaces de gestations. Il en est de malaise à la coexistence, de tentatives en stratégies et bricolages pour comprendre où se situe la rencontre, comment rendre le contact possible, quelle réaction : de l’allergie, du dégoût, de l’érotique, de l’affection.

Le travail de Bryce Delplanque (né en 1993) n'est pas accompagné d'un ensemble d'instructions. Il n’y a pas de règle pour regarder ses peintures, elles viennent d’intuitions. Ces images ont un lien fort avec la nostalgie en tant que surgissement incessant devenant moteur à peindre. Ses peintures de cartes postales, coupures de journaux et de photo-souvenirs trouvées sont liées à une forme de nostalgie, tenant de la privation et non du regret. En substance, le travail de Bryce Delplanque questionne la physicalité des supports et des motifs convoqués, le rapport entre le texte et l’image et les potentialités des images techniques dans l’appréhension de la représentation.

Lucas de Montalembert est diplômé de l’ESAD de Reims et du Sandberg Instituut (Gerrit Rietveld Academie) à Amsterdam. À travers la peinture, l’installation et la vidéo, sa pratique explore la manière dont les formes de contention, les conditions et les variables inscrites dans les environnements bâtis façonnent la perception, les relations et la mémoire collective. Il a notamment participé aux résidences : Ca’Buccari (Venise, 2024) ; Fondazione Antonio Ratti (Côme, 2024) ; SOMA Summer (Mexico, 2026).

Pour Antonin Detemple (né en 1990 à Strasbourg), le parti est pris de ne pas trop modifier l’état des choses, mais simplement de les reproduire, de les transporter de leur contexte natif dans un autre. Dans les formes multiples qu’emprunte son travail — sculptures, installations, images fixes ou animées, éditions —, la logique veut que déplacer un sujet, ce soit déjà le faire évoluer. Bricoleur de fantaisie, il voit dans toute forme la preuve d’un mouvement historique et y perçoit des corrélations à démanteler.

Aliou Diack, né en 1987 au Sénégal, est un artiste vivant et travaillant à Dakar. Formé à l’École Nationale des Arts de Dakar, il développe une peinture habitée par la nature et le monde animal, inspirée par les paysages de son enfance. À travers des compositions stratifiées mêlant pigments végétaux, taches colorées et lignes affirmées, il crée des univers où formes animales et végétales émergent, se camouflent ou se dissolvent.
Sa pratique explore les notions de transformation, d’échange et de circulation « donner et recevoir » envisageant la peinture comme un espace de partage et de transmission. Depuis 2014, il participe à de nombreuses expositions et résidences internationales, en Europe et en Afrique.

Emmanuelle Ducrocq (née au Maroc en 1969) arrive à Paris à 17 ans. Elle étudie successivement le dessin, le théâtre à Paris VIII puis le paysage à l’École Nationale Supérieure du Paysage de Versailles. Un dénominateur commun s’impose et devient le sujet principal de sa recherche en tant que plasticienne : l’espace et par extension ce qui nous lie aux lieux. Son parcours oscille entre la réalisation de créations in situ en résidence en France et à l’étranger et une recherche en atelier où l’introspection interroge ses obsessions : la verticale et l’horizontale, l’ouverture et la fermeture, la répétition et l’empilement, au travers d’éléments symboliques comme le mur, la porte, le cercle et la chaise ainsi que des objets qu’elle met en scène. En 2019, elle est diplômée de l’École Nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris.

Rudy Dumas (né en 1993) est un artiste plasticien et circassien, issu de la communauté des gens du voyage. Son enfance, passée sur les routes à suivre le cirque familial, a profondément marqué son rapport à l’espace et à la matière. Son territoire artistique puise dans des paysages marginaux et des objets en déshérence: parkings, talus, carcasses de voitures, murs lézardés qui deviennent les matériaux d’une réflexion sur la mémoire, la persécution et la marginalité. À travers des sculptures en béton, en asphalte et en bronze, il interroge le poids des vestiges et leur potentiel symbolique. Ses pièces peuvent prendre la forme de colonnes de béton incrustées de pépites de bronze, de cabines téléphoniques prises dans des murs de parpaing, ou de blocs d’asphalte transpercés de clous rappelant ceux de la Crucifixion. Dans une vidéo performative, il se tatoue sur les phalanges le mot Zigeuner, terme péjoratif désignant les Sintis et les Roms persécutés durant la Seconde Guerre mondiale, inscrivant ainsi son corps dans une mémoire collective et politique. Son travail se conçoit comme une manière de « repousser le centre jusqu’à la périphérie ». Ses recherches ont été présentées dans des institutions et contextes reconnus, parmi lesquels la Biennale Art Press au MAMC de Saint-Étienne en 2021 et l’exposition Les Rois Morts à la Galerie Suzanne Tarasiève en 2025. Son travail a fait l’objet de publications dans Libération, Le Monde et ArtPress, qui soulignent l’importance de sa démarche dans les débats actuels autour de la réparation de la mémoire rom et de son identité.

Le travail de François Durel , né en 1993 en France, explore la manière dont des fragments architecturaux et des mécanismes du quotidien conservent les traces du secret, du désir et de la discipline. En réorientant la logique spatiale des objets, il révèle les pressions et interdits subtils inscrits dans l’ordinaire. À la lisière du symbolique et de l’institutionnel, Durel élabore un lexique épuré fait d’accès refusés, d’autorité feutrée et d’intimité déstabilisée.

Pieter Eliëns, né en 1989 au Pays-Bas, crée des installations sculpturales dans lesquelles des matériaux tels que le métal, le tissu et le plâtre sont combinés à des objets trouvés et à des photographies. L'artiste décrit ses œuvres comme des "monuments temporaires" aux notions universelles de fragilité, de soin, de soutien et de perte. Il s'intéresse à la façon dont les monuments et les actions humaines peuvent commémorer les événements, et à la manière dont l'émotion est stockée dans la matière. Ses œuvres attirent l'attention sur des objets et des lieux qui sont généralement négligés ou oubliés. L'aspect du geste, de la qualité du "fait main" est important dans son travail. Nombre de ses sculptures traitent de la notion d'ordre et de chaos, de tension et de suspens. Ces notions l'intéressent car elles constituent pour lui de puissantes métaphores étroitement liées au comportement humain.

Morgane Ely est née en 1995 à Hayange, en Lorraine. Elle est diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2021 où elle s'initie à la sérigraphie. Durant son cursus, elle passe 6 mois à la Musashino Art University de Tokyo pour être formée à l'estampe et la gravure sur bois par les maîtres Akira Suzuki et Tsuyoshi Hirai. Elle est lauréate du Prix du Prestige Takifuji (2021), du Prix Rose Taupin – Dora Bianka (2022) et du Prix Villa Noailles aux Révélations Emerige (2023).

Emergency est un collectif curatorial et un espace d’exposition indépendant ouvert à Paris en 2025. Il a été fondé par les artistes et curateur·ices Ivan Volkov, Misha Gudwin et Iuliia Skromnaya. Le collectif organise des expositions personnelles et collectives et soutient des artistes émergent·es, avec une attention particulière portée à l’art expérimental et contemporain dans un contexte international. Son premier espace était situé dans un bâtiment historique près de l’Hôtel de Ville. En 1849, le premier service d’assistance médicale d’urgence à Paris, l’Assistance Publique, y fut fondé pour répondre aux appels urgents des citoyen·nes. Le nom Emergency reflète un sentiment d’urgence et d’énergie — le même esprit qui anime la présentation d’œuvres nouvelles et expérimentales. En janvier 2026, la galerie a déménagé dans son nouvel espace à POUSH, centre d’art situé au Parc des Portes de Paris à Aubervilliers.

Andrew Erdos (né en 1985) est un artiste basé à Paris. Sa pratique combine souvent les techniques traditionnelles de soufflage et de sculpture du verre avec les médias numériques et la sculpture mixte. Ses œuvres ont été exposées dans le monde entier, notamment au Mobilier national Paris, l’Hôtel des Arts, Toulon ; au Kemper Museum of Contemporary Art, au Kansas City MO; au Orlando Art Museum, Orlando, FL), au Oklahoma City Museum of Art, Oklahoma City, OK ; au Corning Museum of Glass, Corning, NY ; au State Hermitage Museum, Saint-Pétersbourg ; au Hunterdon Art Museum, Clinton, NJ ; au Nerman Museum, Overland Park, KS ; au National Center for Contemporary, Art Moscou ; et au Palais-Royal, Paris.
Andrew Erdos est le fondateur de POUSH Hot Glass, le premier studio de verre d'accès public d’Île-de-France, qui a ouvert avril 2025.

"Le cinéma irrigue profondément la pratique de Clément Étienne. Plus que les récits qu’il produit, l’artiste s’intéresse à sa matérialité : la lumière, le décor, l’espace et les procédés qui donnent naissance à l’image.

Ses recherches prennent appui sur les récits d’anticipation, non pour en illustrer les fictions, mais pour interroger les transformations de notre environnement. Hôtels désertés, théâtres abandonnés, architectures minérales ou paysages traversés par les intempéries composent des espaces où les éléments semblent reprendre possession des lieux."

Extrait du texte de présentation de Steven Vandeporta.