François Voirin (né en 1986) a travaillé dans la finance et le textile. Pierre Voirin (né en 1985) est architecte HMONP. Les deux frères s’associent en 2019 après avoir réhabilité une ferme de 1788 dans les Alpes du Nord. Ce projet a mis en forme tous les domaines qui leur sont chers : la réhabilitation du patrimoine bâti et l’architecture. Cette première réalisation a permis à leur agence de se créer entre Paris et Morzine, avec des projets de réhabilitation et de construction.

Ivan Volkov travaille avec des médiums tels que la sculpture, la peinture, le graphisme, et réalise également des actions qui existent ensuite sous forme de documentation photographique. Dans sa pratique artistique, il réfléchit aux problématiques du précariat : une frange socialement instable de la société qui ne bénéficie pas d’un emploi pleinement garanti. Les représentants de cette classe sont le plus souvent les personnages principaux de scènes fictionnelles dans lesquelles leur quotidien est reconstitué.
Cependant, Volkov ne se contente pas de transposer ce qu’il observe sur toile, tissu ou papier ; sa technique consiste généralement à pousser une situation donnée jusqu’à l’absurde en remplaçant les réalités familières par des réalités diamétralement opposées. Par ailleurs, le laconisme de son langage artistique lui permet d’intégrer l’ensemble de ces composantes paradoxales dans une œuvre organique et cohérente.

De l’anticipation à la réalité brute, le travail de Jesse Wallace (né en 1991) repose sur une porosité des mondes vécu et fantasmé et assume la position de l’artiste comme d’un truqueur dans ces différents décors. Il aborde les questions d’image à touche-touche avec celles de sculpture. Tandis qu’il cherche à extraire la photo de son format traditionnel et à la détacher du plan du mur, ses sculptures qu’il fabrique leur offrent un nouveau cadre capable de les contextualiser ou de les détourner. Tout en expérimentant dans ces deux médiums simultanément pour le récit de ses propres histoires, Jesse Wallace continue de faire déborder partout son espace de travail en invitant des éléments de l’atelier au sein de l’exposition.

Manon Wertenbroek (née en 1991 à Lausanne) a obtenu son Bachelor of Arts à l'ECAL (École Cantonale d'Art de Lausanne, Suisse). Son travail se concentre sur des thèmes psychanalytiques en tant que véhicule pour explorer les questions d'introspection, d'identité, d'interaction sociale et d'émotion. Elle mélange des formes abstraites et figuratives en utilisant des techniques variées telles que la sculpture, la photographie et l'installation pour explorer des expériences complexes de la conscience, des sensations et du comportement telles que les archétypes, le désir sexuel ou la formation de l'identité.

Katarzyna Wiesiolek (née en 1990 à Nowogard, Pologne) vit et travaille à Paris. Elle est diplômée de l’ENSBA en 2018. Ni reportage, ni fiction, ni témoignage, ses dessins restituent des émotions. Parce qu’elles naissent de sa mémoire, ses œuvres entrent souvent en résonance directe avec sa vie personnelle, puisant dans un espace de contemplation fondamentalement intime, qui lui est propre et qui fait sa richesse.

Wiktoria (née en 1991 à Lublin) est diplômée des Beaux-Arts de Varsovie. La conception d’installations et de sculptures performatives, les traces, les gravures éphémères interrogent et réactivent notre perception de la nature et des corps. Les œuvres embrassent une idée ouverte et libre de la sculpture, où la limite de l’objet et du corps est indéterminée et existent par la rencontre et l’interaction physique. Elles invitent le visiteur à réaliser sa propre performance tel un rituel de reconstitution de notre relation à la nature.

Yixuan Xiao (肖懿轩) (né·e en 1993 à Suizhou, Chine) vit et travaille en France depuis 2016. Iel a étudié aux Beaux-Arts de Paris et à l’ENSP-Arles. Yixuan développe une pratique transdisciplinaire mêlant sculpture, performance, image et texte, explorant les thématiques de l’identité, de l’immigration et de la queerness. Son travail se construit autour d’une pratique de la « traduction » — un processus incarné où le corps devient un lieu premier de traduction sensible, un espace de passage, de langage et d’évolution constante, où s’entrelacent mémoires, émotions et désirs d’émancipation.

Sous le nom de Xolo Cuintle, Valentin Vie Binet (1996) et Romy Texier (1995) forment un duo artistique aux pratiques complémentaires, à travers l'installation et l'immersion spatio-temporelle. Avec des préoccupations stylistiques qui semblent proches de celles du duc Jean Des Esseintes (protagoniste du roman À rebours de Joris-Karl Huysmans), ou simplement jaloux de sa décadence, le duo construit des espaces habitables ou habités, à la lisière du rêve et du simulacre. Ces espaces sont marqués par une temporalité indéfinissable et ancrés dans une domesticité qui semble déserte, toujours en attente de quelque chose. Entre mobilier et sculpture, décor et intérieur intime, leurs constructions sont des structures complexes et minutieuses, où le mobilier peut être sculpture, piédestal ou décor. Dans cette architecture intime, les objets vivent paisiblement, idéalement placés en fonction de leur regard.

Né en 1996, vit et travaille à Paris. Représenté par la galerie Mor-Charpentier. Rayan Yasmineh est un jeune artiste peintre, diplômé avec les félicitations du jury de l'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, il a obtenu auparavant son DNA au cours d'un cursus de 3 ans à la Villa Arson. C'est au cours de son cursus qu'il s'initie aux postulats de la peinture moderne occidentale et qu'il y développe une série de réflexions sur le plan, la ligne la couleur, mais encore sur les épreuves de la perspective et de l'ornemental. Ayant grandi au rythme des allers-retours entre la France et le Moyen-Orient, il puise dans les registres de la miniature persane et de l'iconographie arabe afin de construire un dialogue esthétique autour d'une identité multiple.

Yaziame est une jeune artiste photographe Algerienne, ayant grandis à Montfermeil, France.
Autodidacte dans sa pratique artistique, et diplômée en psychologie, elle travaille avec l’argentique de sa mère, et la VHS de son père.

Kai Yoda (né en 1985 à Tokyo ; vit et travaille entre Paris, Tokyo et Berlin) a étudié l’informatique environnementale à l’université Keio avant d’obtenir un MFA en photographie et image animée au Royal College of Art de Londres. De 2015 à 2025, il a formé le duo Ittah Yoda avec Virginie Ittah, développant une pratique centrée sur la multiplicité, la symbiose et l’écologie. Depuis 2025, son travail réunit peinture, sculpture et éléments performatifs pour créer des environnements immersifs et sensoriels façonnés par les notions d’origine, de transformation et de collectivité. Ses expositions fonctionnent comme des paysages en constante évolution où les images, les objets et les gestes interagissent, invitant à des expériences fluides et incarnées plutôt qu’à des récits figés. Puisant dans des références allant de la vie préhistorique et des pratiques alimentaires aux formes portables et à la scénographie, son travail aborde la conception d'expositions comme un espace relationnel partagé. Ses prochaines expositions personnelles incluent Bremond Capela (Paris), Parcel (Tokyo) et la Daiwa Foundation (Londres). Récemment, des expositions personnelles lui ont été consacrées chez ROH (Jakarta), à la Galerie Jérôme Poggi (Paris) ainsi qu’au Centre International d’Art et du Paysage de l’Île de Vassivière. Son travail est présent dans d'importantes collections publiques, notamment le FRAC des Pays de la Loire, le FRAC Artothèque Nouvelle-Aquitaine, Château La Coste, la Sigg Art Foundation, la Misk Foundation et le Tumurun Museum.

Née en 1990, Jisoo Yoo est une artiste sud-coréenne diplômée de l’ENSAPC - Ecole nationale supérieure d'arts de Paris Cergy et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains. À travers une pratique variée mêlant dessin, installation et performance, elle développe un univers autour des notions de fragilité et d’incertitude qui s’immiscent au quotidien dans nos perceptions. Elle reconstitue des espaces familiers fragiles, instables et éphémères, les faisant apparaître et disparaître en les déplaçant à travers différents lieux, ou en essayant d'habiter ces espaces éphémères et fragiles pour explorer la notion d’identités momentanées. Elle a été lauréate du prix de La Révélation Art numérique Art vidéo ADAGP 2023, du prix du jury 2022 de la 18e biennale d’Art contemporain de Champigny, de la bourse FoRTE (Fonds Régional pour les Talents Émergents). Son travail a été présenté dans de nombreux lieux à Paris et en région, tels que le Centquatre, La Villette, Fondation EDF, Les Abattoirs (Toulouse), Les Magasins généraux (Pantin), Les Tanneries - Centre d'art contemporain.

Simon Zaborski (né en 1989 à Toronto, Canada) est diplômé de l’Université Concordia, à Montréal, après avoir étudié à la Rosedale Heights School for the Arts de Toronto. Il a développé une partie de son travail en collaboration avec le collectif MAW à Montréal.

Mengzhi Zheng est artiste plasticien. Sa pratique, située entre sculpture, installation, dessin et architecture, s’appuie sur l’usage de matériaux trouvés, conçus comme des dessins en volume. Ses visions d’espace et ses rêves d’architecture, entre fonction et utopie, résultent de protocoles liés au contexte, aux outils et aux situations de travail, et se déploient aussi bien en atelier que dans l’espace public. Son travail interroge les notions d’habitat, de transformation et de rapport à l’environnement.

Ziyue Zhou (née en 1989 à Xiapu, en Chine) est diplômée des Beaux-Arts de Lyon. Prenant généralement la forme d’installations dans l’espace, ses oeuvres se composent de différents médiums. Cet assemblage de fragments est toujours lié au lieu dans lequel elle travaille. Elle interroge l’habituel, les gestes, la place des objets dans l’espace, en essayant d’inventer une sorte de haïku visuel, de paysage instable.

Alexandre Zhu, d’origine chinoise, est né à Paris en 1993 où il y partage son enfance avec Shanghaï. Ses dessins sont réalisés au fusain, technique séculaire lui permettant d’interroger les mutations croissantes des milieux urbains. Par l’usage du fragment, les formes figuratives y sont détournées : détachées de tout environnement, elles se révèlent à la jointure d’un univers abstrait. Il est lauréat du prix de dessin Pierre David-Weill en 2021 à l’Académie des Beaux-Arts, du prix Dauphine en 2022, et participe à la dernière Biennale Artpress à Montpellier (MOCO & Musée Fabre).

Kyvèli Zoi est une peintre basée entre Athènes et Paris. Nourrie par son parcours international, elle puise son inspiration dans les racines des musiques traditionnelles, l’histoire et les luttes sociales. Sa vision et sa compréhension du monde prennent forme dans des scènes oniriques construites pour mettre en valeur les détails qui rendent l’ordinaire extraordinaire. À travers la figuration, Kyvèli compose une théâtralité amplifiée qui propose des aperçus du lien spirituel entre les communautés humaines et l’environnement naturel élargi. Kyvèli a participé à de nombreuses expositions collectives et personnelles à l’international, en Europe, aux États-Unis et en Asie. Ses collaborations s’étendent des galeries et institutions jusqu’aux réalisateurs de cinéma et aux marques de design. Depuis 2022, elle est lauréate de la Stavros Niarchos Foundation Artworks Artist Fellowship. Kyvèli est également fondatrice de KYAN, un programme de résidence à Athènes